Cada cierto tiempo el cine europeo nos regala una obra de una calidad envidiable. “Good bye Lenin” es muchísimo más que eso para el cine alemán. Ha acabado convirtiéndose en un referente para adentrarse en la caída del Muro de Berlín y la reunificación alemana a través del cine Wolfang Becker nos narra en forma de tragicomedia los esfuerzos de un hijo por intentar que su madre no descubra que ni el socialismo ni el muro han desaparecido junto a la República Democrática Alemana (RDA) de sus vidas. Y es que ha tenido la mala fortuna de caer en coma en un momento crucial para el mundo: Octubre de 1989.

     A partir de aquí es cuando Alex decide crear una burbuja histórica alrededor de su madre, lo que acabará involucrando por completo al resto de personajes hasta unos límites que ninguno de ellos podría pensar. Esta premisa inicial es con la que se nos irán mostrando los primeros cambios del capitalismo en un mundo que pretendía ser un paraíso y acabo convertido en un infierno para muchos. Los momentos tiernos y trágicos se irán sucediendo en un guión condensado en exceso donde la voz en off del protagonista nos irá narrando la historia, pero no la historia de la reunificación sino la de su propia familia Otro punto del guión es el hecho de que se haya calculado para que la historia principal se desarrolle a medida que la de las dos Alemanias: vemos las manifestaciones contra el régimen socialista, el “cambio” de moneda, el clima de anarquía y liberación juvenil y artística, el triunfo de la selección alemana en el mundial (nada mejor que el fútbol para crear sensación de unión).

     También veremos los distintos pasos para la reunificación, los programas de trabajo en los que se conocen Alex y Denis, la nueva pareja de la hermana de Alex… todo unido forma un enorme calidoscopio histórico sobre el que se irá desarrollando la historia. En este apartado destaca el enorme esfuerzo por incorporar material de archivo de la época que consigue dar un toque más realista al film junto a las distintas secuencias rodadas en Súper-8 sobre la infancia de Alex en la RAD. En los falsos noticieros que crean Alex y Denis, aunque con un toque cómico inicial oculta bajo está siniestra sonrisa la facilidad con la que se pueden manipular unas imágenes fuera de contexto. La recreación histórica ha sido complicada.

     Aunque solo han pasado 15 años desde los hechos narrados en el film se ha tenido que recrear completamente un mundo que desapareció absorbido por el capitalismo. En cuestión de meses el paisaje, la forma de vestir, la decoración de los interiores, todo cambió sin vuelta atrás. Acabamos comprobando la enorme importancia que acaban teniendo los objetos para mantener la farsa hasta el punto que un simple cartel o un simple modelo de coche pueden hacer tambalear un régimen indestructible en principio.

      Es en esta recreación del mundo soviético con sus colores grises y apagados, con sus discursos ideológicos y su propaganda la que más contrasta al final con el mundo que llega a pasos agigantados. La carrera espacial adquiere aquí tintes heroicos con Sigmund Jähn, el primer cosmonauta alemán en el espacio, y que se permite un pequeño cameo en el film. Todo parece destilar cierto rumor nostálgico que la banda sonora de Yann Tiersen se encarga de potenciar al máximo como ya consiguió en “Amelieu” Finalmente

     ¿Se trata de una película a favor o en contra del socialismo? Si bien es cierto que se nos muestran un mundo en plena decadencia y anclado en su pasado también es verdad que la cara más oscura del capitalismo surge en las consecuencias directas para los alemanes orientales que tendrán que hacer un enorme esfuerzo al comenzar de cero en un nuevo sistema donde el consumismo y el poder del capital irá impregnándolo todo. Sin embargo no hay que olvidar un dato claramente declaratorio para todos aquellos “nostálgicos-idealistas”: 4000 fueron los alemanes que huyeron de la RDA antes de la caída del muro y 79 los caídos en sus alambradas. Los que intentaron el viaje a la inversa... ¿existen acaso?

 Web oficial del film. Muy entretenida

http://www.sonyclassics.com/goodbye/flash.html

Una critica desde el lado socialista

 http://www.rebelion.org/cultura/031231en.htm

     Cuando se estreno en 1999 la opera prima de Peter Webber nadie creía que acabaría convirtiéndose en un pequeño fenómeno de masas. Quien más o quien menos, ha oído hablar de está pequeña producción europea que narra la vida de Grieg, una joven criada que entra a servir en una nueva casa, solo que el padre de familia de esta casa es Johannes Veermer.

      A veces, solo a veces, nos preguntamos sobre el origen de alguna obra de arte en concreto. ¿Qué fue lo que hizo concebir a Leonardo su Gioconda? ¿Y a Dante su Divina Comedia? ¿Y las lanzas de Velázquez? La curiosidad del historiador y una desbocada imaginación hacen el resto. Este es el punto de partida del film de Webber, dar respuesta al origen de uno de sus cuadros: “ La joven de la perla”. Si a esto añadimos que, a pesar de ser considerado un genio de la pintura, nos han llegado unos datos ridículos sobre la vida de Veermer, el caldo de cultivo está en su punto.

     Rodada en Amsterdam y Delf, con un presupuesto de unos 10 millones de dólares, el guión se basa en la novela homónima de Tracy Chevalier. La obra literaria de Chavalier gira alrededor del origen de distintas obras maestras. “El azul de la virgen” o “La dama y el unicornio” son ejemplos de ello.

    La sensualidad y la delicadeza en el trato de los personajes, en especial entre Grieg y Veermer, y las relaciones entre ellos obligan a llevar un ritmo que se acelera hasta el momento en que tiene que eclosionar en el momento en que agujerean la oreja de Grieg, autentica metáfora del acto carnal entre ellos.Todo esto obliga a un ritmo intimista y pausado. Como la propia obra de Veermer busca una perfección que logra en determinadas momentos, resultando hipnótica el resto.

      Si nos centramos a nivel histórico, asistimos en una hora y media escasa, a una serie de contrastes muy marcados entre personajes y las situaciones que se dan, fiel reflejo de la sociedad urbana holandesa del siglo XVII:

     El Aspecto religioso: La convivencia entre calvinistas y protestantes, aunque pacífica, muestra el claro rechazo entre ellos. Grieg, de familia calvinista abandona una casa sobria para adentrarse en la casa de Veermer, un artista católico con el que no puede mantener una relación dentro de los parámetros normales.

     La vida del artista: la difícil relación entre mecenas-artista, el pintor-artesano, los hábitos de de Vermeer (la caja oscura, su estudio, la creación casi religiosa de los colores, las perspectivas o los modelos). Incluso podemos visitar el apabullante “salón de las maravillas” que tiene el mecenas con cuadros, curiosidades de todo tipo en su afán más de poseer que de disfrutar.

     Relaciones sociales: El film refleja el complejo mundo de las casas burguesas, las relaciones entre esposos e hijos, entre los mismos criados. El intento de mantener un nivel de vida a toda costa, la presencia de la abuela como matriarca de la casa… pero es en el contacto cotidiano entre el artista y Grieg donde se despliegan las verdaderas fuerzas invisibles de pertenecer a dos mundos distintos que solo la pintura puede unir. Allí solo el rozar de las manos o la sensación de la presencia de cada uno es suficiente.

     Otro acierto del film es el trato a la vida cotidiana en un hogar burgués de la época.Tareas como el lavar la ropa, hacer la comida, las visitas al mercado, la limpieza, el trato a los niños, las propias relaciones familiares y entre los criados. Todo esto da tal riqueza de detalles que en hora y media la construcción del fresco histórico es más que adecuada. Respecto al aspecto técnico del film, se nota el tiempo y el cuidado invertidos.

      La BSO, el montaje, unos movimientos de cámara pausados y sugerentes, un vestuario y unos decorados de un rigor histórico endiablado (sólo hay que echarle un ojo a las mansiones burguesas) todo encaja como un puzzle sin sobresalir nada por encima del resto, nada excepto la fotografía.

     El trabajo de Eduardo Serra, tachada por algunos de “extremadamente vistoso”, tiene el difícil papel de actuar como un punto de unión entre el resto de apartados. Serra no duda en intentar acercarse lo máximo al concepto de luz y espacio que tenía el artista. Es la fotografía la que engloba todo a su alrededor en un intento de adentrarnos en el universo luminoso/personal de Veermer con resultados claramente satisfactorios.

Criticas y dossier de prensa sobre la joven de la perla

http://www.labutaca.net/51sansebastian/lajovendelaperla.htm

Entrevista al director del film: "No quería hacer una película histórica"

http://www.elcultural.es/Historico_articulo.asp?c=8920

     Hoy podemos decir que “1492” ha quedado en el olvido, tanto del público como de la crítica. Fracasada en la taquilla y relegada de la parrilla televisiva, son muy pocos los que recuerdan está singular película de “Ridley Scott” a pesar que para muchos, entre los que me incluyo, supone uno de sus cúlmenes como creador cinematográfico.

      Esta superproducción europea de cerca de 40 millones de dólares consiguió reunir bajo su manto a un gran número de profesionales con el enorme reto de representar dos mundos: una España en tránsitos de cambio y un continente recién descubierto. Entre medio de estas dos realidades un hombre que a pesar de descubrir un mundo, aún mantiene muchos misterios sobre su vida.

      El film se encuentra divido en dos partes perfectamente diferenciadas. El proyecto, viaje, descubrimiento de América y lo que es más sorprendente, una inesperada segunda parte sobre la colonización del continente.

     La puesta en escena de Ridley Scott es deslumbrante. Creador de atmósferas nato, no hay que olvidar que estudio arte en su juventud, intenta sorprendernos detrás de la cámara con cada nueva toma en busca del ángulo más sugerente. Secuencias como la despedida del puerto, el mismo descubrimiento con la “cuenta atrás”, las secuencias bélicas o la estupenda recreación de los primeros pasos de occidente en el nuevo mundo, a través de la llegada de la campana mayor quedan grabadas en la retina durante varios días.

      Como viene siendo habitual en la trayectoria de este realizador británico, el apartado técnico es exprimido al máximo bajo sus tenaces manos. La música de Vangelis, que ya trabajó junto a Ridley en “Blade Runner”, de sonidos étnicos y sintetizados consigue mantener un tono de sosiego en el film. El vestuario y los decorados, cuidados hasta el más mínimo detalle, no hacen sino enmarcar a la estrella del film: la fotografía de Adrián Bidley, porque eso no es fotografía señores, eso es pintura en estado puro.

     El tándem Scott-Bidley se toma la molestia de hacer de cada fotograma un auténtico cuadro para delicia de nuestros sentidos en tonos dorados y anaranjados de un hiperrealismo difícil de soportar a veces.

“Tal vez la esperanza reside en el viaje. Al principio todo es posible, todo expectativa, todo sueño… Marchena tenía razón Bartolomé. El paraíso y también el infierno pueden ser terrenales y los llevamos con nosotros adonde quiera que vamos”

     Todo esto no habría sido nulo sino contáramos con un trabajo actoral más que destacable. Gerard Depardie parece que ha nacido para interpretar el papel, de hecho una de las condiciones del director era que Colón fuera interpretado por el francés. Sigourney Weaver como la Isabel está en su justo punto pero Michael Wincott como el noble castellano Adrián de Mújica es el que llega a sobrepasarlos en algunos momentos. Incluso tenemos a Fernando Rey como abate Marchena formando parte de una galería de personajes secundarios perfectamente caracterizados.

      A nivel histórico podemos dividirlo en dos partes: En la primera se nos narran los preparativos y desarrollo del viaje. Visitamos el monasterio de la Rábida con sus monjes copistas, pasan ante nuestros ojos la Reina Isabel, en sus palacios granadinos, Santangel y su amor al dinero, los Pinzón, asistimos a un auto de fe y a las tremendas luchas por conseguir el tan ansiado viaje con los “sabios” castellanos en un orden más o menos cronológico. Y ese amor por el oro y la gloria que todos quieren alcanzar y que motiva en el fondo el viaje del descubrimiento.

      La segunda parte es una idealización de la colonización americana. Pasamos desde trato vejatorio a los indios y los primeros conflictos entre españoles e indígenas, la construcción de la Isabela o la relación entre los hermanos Colón. Destaca el personaje de Mújica, reflejo de la vieja Europa, que actúa como contrapunto a un Colón quizás demasiado humanizado que no quiere volver a ver un mundo como el que ha dejado. Los indígenas se representan en una única figura, la del “buen salvaje” que Colón conoció en su primer viaje y que acabará renunciando a su amistad. Por cierto, la secuencia del encuentro de los nativos con el caballo de Mújica es sorprendente en si misma.

      Entonces… ¿Por qué este injusto olvido? ¿Por qué este fracaso en taquilla? El film es lento, pero es algo innato en la historia que cuenta. También podemos achacarle un exceso de metraje hacia el final, la secuencia de la tormenta sobra a todas luces, y la relación entre Colón y Beatriz no tendría que haber pasado de la sala de montaje. Que sea una superproducción europea tampoco ayudó mucho… Aunque también hay que tener en cuenta que se trata de una historia más que familiar para nosotros, la hemos visto miles de veces. Ya es mucho que mantenga nuestro interés durante dos horas y media porque es en el segundo o el tercer visionado cuando más se disfruta más de ella.

      “Nadie quiso producir mi película”, recuerda ahora Mel Gibson en algunas de sus entrevistas. “Es más, todo el mundo creía que iba a ser un absoluto fracaso”. Muchos pensaban que en un mundo tan “proge” como el nuestro estos temas ya no interesaban a nadie, si acaso a gente como Mel, un católico ultraconservador que para la mayoría de Hollywood vive en el pasado. A pesar de todo Gibson decidió jugarse el todo por el todo hipotecando parte de su estudio independiente, Icon Films, por un film en el que había invertido 12 años de trabajo fruto de una tremenda crisis personal/existencial. Finalmente con un presupuesto de 30 millones de dólares ha acabado recaudando 604 millones en los cines. El mazazo a cierto sector que se consideraba guardián del pensamiento “único” fue tan duro como el mismo film.

     El tema de la Pasión de Cristo se ha visto reflejado a lo largo de la historia del cine centenares de ocasiones desde sus mismos inicios. Recordamos las películas de DeMille en el periodo mudo o los mastodónticos films en cinemascope, “La Túnica Sagrada”, pasando por las más realistas como “La última tentación de Cristo” de Scorsese. Parece como si cada nueva generación de cineastas hubiera tenido que reinterpretar este tema con nuevos matices para adaptarlo a sus tiempos.

     Sin embargo ninguna película se había centrado en las 12 últimas horas de Cristo tomando como eje la pasión misma del personaje en busca de un realismo que a veces hace que apartemos los ojos de la pantalla. Al fin de cuentas, escarbando un poco, son el coraje, el sacrificio y el amor los cimientos de este edificio tan atrayente como extraño, donde a pesar de la enorme violencia que transmite es un sentimiento de humanidad lo que envuelve al espectador al aparecer los títulos de crédito.

     El nivel técnico es sobresaliente. Gibson ha llegado a adquirir tal control sobre la narrativa y el estilo cinematográfico desde Braveheart que, con esta obra se sitúa ya entre los grandes. Pero es su dominio del tiempo fílmico y del montaje lo que hace más atractivo el film a los espectadores. Esos sosegados flasbacks que profundizan un poco más en la relación de María y su hijo dando el justo toque de lirismo y de relajación en el tremendo viaje de la pasión son el ejemplo más claro.

     Como viene siendo habitual en el género histórico la fotografía vuelve a destacar por encima del resto de complementos técnicos. En este caso el trabajo de Canel Deschanel buscaba un efecto caravaggiesco, una mezcla entre el realismo más extremo y los juegos de luces y sombras del XVII. Caravaggio es como esta película un pintor extremista, llega con su arte hasta sus límites y los traspasa.

    “Vosotros sois mis amigos, y la prueba más grande que alguien puede hacer por un amigo es dar la vida por ellos”

     A todo esto habría que añadir una serie de metáforas visuales de una belleza exquisita que uno va descubriendo a medida que se adentra más y más en el proyecto. Quizás la más sencilla sea la gota de lluvia/lagrima de Dios Padre cayendo en un fabuloso movimiento de cámara, las atrayentes pero enigmáticas apariciones del “mal” como un ser andrógino o toda la serie de imágenes relacionadas con la traición de Judas. Son pequeñas licencias creativas que dan mayor profundidad a un guión ya de por si bastante complicado.

     En cuanto al nivel histórico, si exceptuamos evidentemente las interpretaciones religiosas del director y ciertos pasajes bíblicos, como la destrucción del templo, es más que satisfactoria. Gibson sigue muy de cerca los textos evangélicos, especialmente los de San Lucas y San Juan, a los que añade una crudeza y un realismo vírgenes en pantalla: el castigo a los condenados, el trato vejatorio, incluso podemos ver distintos instrumentos de tortura como el fragum (el gato de nueve cuerdas) con sus dramáticos efectos.

       La representación de Jerusalén del siglo I a.C. se nos presenta como una ciudad con una clara mezcla de influencias romanas y herodianas. Con enormes barrios de casas mediterráneas, mercados polvorientos y algún que otro edificio de influencia clásica.

     Rodada en latín y en arameo antiguo, lo que para muchos era un error ha acabado acercando aún más al espectador a los personajes y los personajes a los actores. Se trata de actores desconocidos, si exceptuamos a alguno, pero su trabajo habla por si solo.

Cien preguntas y respuestas sobre la Pasión de Cristo. Muy recomendable.

http://www.aciprensa.com/reportajes/passion26.htm

Serie de articulos sobre el film y entrevistas a Mel gibson

http://www.magicsc.com/marykarm-pers/mel_gibson/habla_mel_gibson.htm

Web oficial del film

http://www.lapasiondecristo.aurum.es/splash.html

Críticas, dossier de prensa y un extenso artículo sobre la pasión http://www.labutaca.net/films/22/lapasiondecristo.htm

A continuación los horarios de las proyecciones. Todas tendrán lugar en la Sala Juan Fuster y vendrán precedidas de una pequeña introducción. Posteriormente, si se tercia ( que posiblemente sea que no) se puede hacer algún tipo de debate.

“La Pasión de Cristo” (2004, Mel Gibson)

Miércoles, 4 Mayo. Sala Joan Fuster a las 17:00 horas

“1492, La Conquista del paraíso” ( 1991, Ridley Scott)

Lunes, 9 Mayo. Sala Joan Fuster a las 11.00 horas

“La Joven de la perla” (2003, Peter Webber) Martes, 10 Mayo.

Sala Joan Fuster a las 11:00 horas

“Goodbye Lenin” (2003, Wolfgang Becker)

Miércoles, 11 Mayo. Sala Joan Fuster a las 17:00 horas.

     Posiblemente catalogar un film estrictamente dentro del género histórico sea una tarea imposible, cualquier película hace referencia a una época o a un momento histórico determinado. Géneros como el drama, las aventuras, el cine bélico podrían ser considerados “cine histórico” según la perspectiva utilizada.

     El I Ciclo de Cine Histórico tiene como objetivo presentar una serie de películas que intentan mostrar una serie de visiones distintas sobre determinados periodos históricos. Hemos buscado incluir films poco conocidos o de reciente estreno, con una factura técnica fuera de toda duda, además de que cumplieran el requisito subscribirse dentro de una época determinada: Edad Antigua, Edad Media-Renacimiento, Edad Moderna y Contemporánea.

Antes de cada proyección se realizará una pequeña presentación y al finalizarla, si se tercia, un pequeño debate.

Para una mayor información:

Listado de películas históricas con una completa crítica a nível histórico. Muy recomendable, con ejercicios para realizar en clase:

http://www.educahistoria.com/cine.php?start_from=0&archive=&subaction=&id=&

Para profundizar un poco más en el género histórico

http://funversion.universia.es/cinetv/cine_historico.htm